25. La quimera del oro (Charlie Chaplin, 1925)
El pequeño vagabundo de Charlie Chaplin, que intenta salir adelante como buscador de oro en el Yukón, espera que la mujer que ama se reúna con él a medianoche, y ella no aparece. Así que se queda dormido y sueña que ella llega y cena con él, y después le monta un baile con los panecillos de la cena. Se pasa de lo conmovedor a lo histérico en cuestión de momentos, y es un testimonio de la singular capacidad de Chaplin para hacer sentir una gama tan amplia de emociones al ver sus películas. La quimera del oro es íntima, en sus destellos de soledad y hambre, y es épica -con impresionantes efectos especiales de avalanchas y tormentas de viento- en su descripción del poder transformador de la codicia. Y, de alguna manera, Chaplin la mejoró aún más cuando la reeditó en 1942 con la adición de su propia voz en off para proporcionar un comentario irónico a lo que está sucediendo en la pantalla. Para un artista mudo, su uso del sonido aquí es revolucionario – Christian Blauvelt, BBC Culture, Estados Unidos (Crédito: Criterion)

24. Withnail y yo (Bruce Robinson, 1987)
Ambientada en los últimos años de la década de 1960, la película semiautobiográfica del director Bruce Robinson narra los últimos días de una amistad codependiente entre dos actores sin trabajo. «Tiene que haber alguna forma de salir de aquí», reflexiona Jimi Hendrix en la banda sonora, mientras la pareja se embarca en un infausto viaje a la campiña inglesa, para volver a su mísero piso de Camden Town más abatidos que nunca. La película está impregnada de la sensación de que los buenos tiempos anárquicos están a punto de terminar. Sobre el papel, todo esto suena espantoso y, bueno, no tiene mucha gracia. Sin embargo, la película es una clase magistral de comedia de situación, gracias al afilado guión de Robinson. Cada escena está llena de ingenio. El difunto Richard Griffiths es un melancólico ladrón de escenas en el papel de Monty, el tío gay de Withnail, y Paul McGann sugiere con agudeza que su narrador sin nombre aún conserva un mínimo de racionalidad. Pero es Richard E. Grant quien causa la mayor impresión en el papel principal. Withnail es una de las mayores creaciones tragicómicas de la historia del cine. – Ali Arikan, Dipnot TV, Turquía (Crédito: Criterion)

23. La fiesta inolvidable o El guateque, en España (Blake Edwards, 1968)
En The Party, Blake Edwards catapulta a Peter Sellers, en el papel de Hrundi V Bakshi, un actor indio torpe, en medio de una suntuosa cena de Hollywood a la que fue invitado por error. Se suceden una serie de extravagantes escenas, que personifican en la gran pantalla todo el espectro de la teoría de la risa de Bergson, ya sea con una réplica del Manneken Pis empapando a la alegre compañía, con apretones de manos de caviar que contaminan las habitaciones, con incómodas alimentaciones de guacamayos «Birdie Num Num» o con un camarero absurdamente borracho del que nadie parece darse cuenta. En muchos aspectos, The Party puede ser la mejor película de Jacques Tati que el propio Tati nunca hizo, una comedia hiperrealista del más alto calibre. Como dice el personaje de Peter Sellers a un grupo de invitados desconcertados tras interrumpir su conversación: «Es bueno reírse». Y así es. – Cédric Succivalli, Sociedad Cinematográfica Internacional, Francia (Crédito: United Artists)

22. Frankenstein Junior o El joven Frankenstein, El jovencito Frankenstein,en algunos países (Mel Brooks, 1974)
Pauline Kael dijo una vez: «A diferencia de la sátira, la parodia no tiene objetivos serios». En el centro de El jovencito Frankenstein de Mel Brooks hay un corazón rebosante de afecto por la Edad de Oro de Hollywood y todos los riesgos y recompensas que conllevaba la realización de películas en la era de los estudios. Rodada en blanco y negro (el estudio trató de imponer el color), y con el mismo equipo de laboratorio utilizado en el Frankenstein de 1931, Brooks y Gene Wilder (el desquiciado doctor y coguionista de la película) canalizan el ingenio subversivo y la conmovedora sensibilidad de la película original. La criatura reanimada de Peter Boyle es más vivificante que abatida. El joven Frankenstein es alegre y nunca se burla. Puede que otra película no tenga ninguna oportunidad al lado de las escandalosas películas de género de la época, como la ultra sangrienta Flesh for Frankenstein de Paul Morrissey, pero detrás de la cariñosa parodia de Brooks hay un vertiginoso y contagioso deseo de celebrar el poder mítico del cine. – Alison Nastasi, Flavorwire, Estados Unidos (Crédito: 20th Century Fox)

21. Luces de la ciudad (Charlie Chaplin, 1931)
La sublime «Luces de la ciudad» fue la empresa más arriesgada y complicada de Chaplin, una película muda realizada justo cuando los estudios estaban plenamente comprometidos con el sonido. Utilizando música y efectos sonoros, era también una unión de sentimientos y slapstick, cuyos elementos tenían que encajar con una precisión acrobática. El inicio de la película marca la pauta, ya que el vagabundo sufre una serie de choques autoinfligidos con un gigantesco monumento cívico, una escena que es a la vez desternillantemente divertida, arriesgada y hermosa. El interés propio y el interés amoroso chocan en su relación con Virginia Cherrill como la florista ciega cuya cura, por la que paga generosamente, puede ser su perdición como pretendiente. El lado femenino de Charlie emerge en plena flor de mareo en su rocosa amistad con Harry Myers como millonario maníaco-depresivo y en su comportamiento coqueto con los fornidos boxeadores antes de un asalto exquisitamente coreografiado en el ring. – Molly Haskell, Freelance, EE.UU. (Crédito: Criterion)

20. Un comisario de película o Locuras en el oeste, Sillas de montar calientes en algunos países (Mel Brooks, 1974)
Blazing Saddles aborda el racismo de los blancos contra los negros en un momento en que el movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos parecía haber triunfado y demasiados declararon prematuramente que el racismo era cosa del pasado. Brooks se muestra sin complejos en este largometraje sobre un sheriff negro en un pequeño pueblo del viejo Oeste: «Blazing Saddles» no evita la corrección política, sino que la pisotea. No se trata de una comedia oscura, sino de un puro caos cómico como sólo Brooks sabe hacer. Cuando el pistolero llamado Waco Kid (Gene Wilder) se despierta en la cárcel, el sheriff Bart (Cleavon Little) le pregunta: «¿Estamos despiertos?» Limpiándose los ojos, Kid responde: «Eso depende. ¿Somos negros?» Al final de la película, en un golpe de brillantez metatextual, la película rompe la cuarta pared y lleva a los personajes a la actualidad, a la conciencia de que están actuando en una película de Mel Brooks llamada Blazing Saddles. ¿Estamos despiertos? ¿Dónde acaba la ficción y empieza la realidad? La risa se atasca en la garganta, sin que nos demos cuenta. Y esa es la genialidad de Blazing Saddles. – Ong Soh Chin, freelance, Singapur (Crédito: Warner Bros)

19. Las tres noches de Eva (Preston Sturges, 1941)
A mitad de esta deslumbrante comedia romántica costumbrista de 1941, la estafadora estadounidense Barbara Stanwyck se reintroduce como una gran aristócrata británica llamada Eve y procede a conquistar a la élite de Connecticut. Aunque no ha cambiado nada más que su acento, el crédulo heredero Henry Fonda, que ya se había enamorado de ella anteriormente como la autoproclamada «aventurera en alta mar», se alegra de creer que no es «la misma dama» y vuelve a enamorarse de ella. Preston Sturges pule un diamante de los tropos del género, ofreciendo una incisiva reflexión sobre nuestra insistencia en la honestidad a través del constante enmascaramiento. Las agudas reflexiones sobre la psique humana, se forman a través de una armoniosa mezcla de diálogos chispeantes y gloriosas payasadas. Es también la película más divertida y sexy sobre la seducción, dando todo el poder a la mujer, sin convertirla en una femme fatale. -Yael Shuv, Time Out Tel Aviv, Israel (Crédito: Criterion)

18. El moderno Sherlock Holmes (Buster Keaton, 1924)
Sherlock Jr., un clásico de 45 minutos y cinco rollos que pasa cada segundo de su duración en un sprint muerto, puede que no sea tan épico como «El general» o tan desafiante como «Steamboat Bill Jr. «(Keaton simplemente se rompió el cuello haciendo esta película), pero este mudo imposiblemente denso de 1924 sobre un proyeccionista que sueña con convertirse en detective es la destilación más pura de su genio con cara de piedra. Ya sea realizando el mayor deslizamiento de una cáscara de plátano de la historia del cine o corriendo por encima de un tren en marcha como si estuviera en una cinta de correr, Keaton siempre mantiene la calma. Sin embargo, su mejor truco fue uno de los más seguros. Saltando a través de la pantalla de cine como un proto-James Turrell, el torpe detective de Keaton consigue resolver el misterio del atractivo fundamental del cine: las películas entran en nuestro mundo tanto como nosotros en el suyo. -David Ehrlich, Indiewire, Estados Unidos (Crédito: Kino)

17. Bringing Up Baby o La adorable revoltosa / La fiera de mi niña, en algunos países) (Howard Hawks, 1938)
De todas las comedias de la Edad de Oro de Hollywood, «Bringing Up Baby» es la que más se aproxima a la fosa, a la auténtica locura y al principio del caos que Howard Hawks vio siempre encarnado en las mujeres, y nunca tan claramente como en la Susan Vance de Katharine Hepburn, la rica loca que desbarata al paleontólogo Cary Grant. Él ha perdido su hueso, y la perra de Susan (Asta) lo entierra, y hay dos leopardos sueltos en el Arden de Greenwich, CT, y Grant se vuelve «gay» de repente, y, Jesús, ¡mira cómo Susan mete ese putt! Una película difícil de gustar, tal vez -no hay nada seguro o tranquilizador en su locura-, pero fácil de amar. Y Hepburn se las arregla para reinventar y subvertir simultáneamente a la Manic Pixie Dream Girl como una figura demoníaca de alegre e irresistible ilógica. – Ty Burr, Boston Globe, EE.UU. (Crédito: Alamy)

16. El gran dictador (Charlie Chaplin, 1940)
Con el Pequeño Vagabundo transformado en el paranoico Adenoid Hynkel, El Gran Dictador es la primera película verdaderamente hablada de Charlie Chaplin. Está llena de ingeniosas insinuaciones. Escrita, dirigida y parcialmente producida por Chaplin, es también una película valiente. Realizada cuando la Segunda Guerra Mundial estaba en marcha, la película se burla no sólo de Adolf Hitler en el personaje del maníaco y bigotudo Hynkel, sino también de Mussolini, que se convierte en Napaloni, y de Goebbels, que se convierte en el ingenioso Garbitsch de la película. Puede que sólo recuerde la secuencia en la que Hynkel baila con un globo hinchable mientras se prepara para convertirse en «dictador del mundo» para recordar por qué Chaplin es un icono. Utilizar la condición de paria del Vagabundo para criticar el ascenso de los regímenes políticos brutales es una sátira brillante que resonó en el público de entonces y sigue haciéndolo hoy. – Nour El Safoury, independiente, Egipto (Crédito: Criterion)

15. Los caballeros de la mesa cuadrada o Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores, en España (Terry Gilliam y Terry Jones, 1975)
Esta película de los iluminados Monty Python es, desde el principio, humor alimentado por pura genialidad – ¿cómo no reírse, siendo de Chile como yo, cuando se lee en la pantalla al principio que la película fue «dirigida por 14 guanacos del norte de Chile»? Sí, así comienza esta parodia del Rey Arturo y sus caballeros de la mesa redonda en busca del santo grial -en esta dictadura actual de extrema corrección política es fácil que algunos encuentren insultante un chiste así. Los mejores gags de ahí van desde el duelo a espada con el pedante Caballero Negro, que acaba sin brazos ni piernas pero con una actitud de chulería inquebrantable, hasta el conejito blanco capaz de decapitar sin esfuerzo a un poderoso guerrero acorazado. El humor en el cine rara vez ha alcanzado tales cotas de lucidez y valentía como en ésta: una obra maestra que combina la sátira con las secuencias musicales y las provocadoras animaciones (de Terry Gilliam). En el reino de los Monty Python, el ingenio inteligente, y no la espada Excalibur, te convierte en el rey. – Ernesto Garratt, El Mercurio, Chile (Crédito: Alamy)

14. His Girl Friday o Mi asistente favorita, Luna nueva, en algunos países (Howard Hawks, 1940)
Una heroína independiente y feroz, pero femenina, un ex marido inteligente y elegante y muchos diálogos agudos e ingeniosos hacen que esta película sea infinitamente entretenida. Una pareja divorciada, Hildy (Rosalind Russell) y Walter (Cary Grant), solían trabajar juntos en un periódico; pero justo cuando ella está a punto de volver a casarse, Walter dejará claro que en el amor, como en la guerra, todo vale. Gran parte del atractivo de la película reside en el estilo lúdico con el que el director Howard Hawks infunde las relaciones: la animada tensión entre Hildy y Walter, las interacciones amistosas entre los reporteros en la cárcel, la divertidísima relación entre Bruce (Ralph Bellamy), el futuro marido de Hildy, y Walter. Las interpretaciones brillan realmente -Grant hace gala de su encanto- pero es Rosalind Russell quien cautiva como Hildy: seria pero cálida, dura pero femenina. Es la mujer profesional moderna, a la altura de su antiguo novio, pero también posee una vulnerabilidad que la hace entrañable. Podemos identificarnos con ella de forma intemporal. A la mezcla se añade un ritmo ágil y un slapstick de buen gusto, que mantiene las risas. Las comedias románticas van y vienen, pero His Girl Friday se queda, todos los días de la semana. – Adriana Fernández, Reforma, México (Crédito: Alamy)

13. Ser o no ser (Ernst Lubitsch, 1942)
En esta comedia de 1942, un grupo de actores de Varsovia se disfraza para engañar a las tropas nazis de ocupación. Hay un juego constante de barbas, uniformes y oficinas falsas y reales. Los actores incluso transforman su teatro en una réplica del cuartel general de la Gestapo para engañar a Siletsky, un agente doble visitante. Los diálogos dan en el clavo y los chistes se suceden. «¿Así que te llaman ‘Campo de Concentración’ Ehrhardt?» le dice Siletsky al coronel disfrazado. «Sí, nosotros hacemos la concentración y los polacos el campamento», responde. En este constante engaño y grotesco reflejo, Ernst Lubitsch expone al régimen nazi como un ridículo espectáculo teatral que insiste en un resultado mortal. Sí, tal vez Ernst Lubitsch no habría rodado la película de haber conocido la magnitud de las atrocidades alemanas, pero eso hace aún más asombroso cómo dio en el blanco con esta sátira de ritmo rápido y mordaz, pero elegante, del conjunto nazi. – Susanne Burg, Deutschlandfunk Kultur, Alemania (Crédito: Criterion)

12. Tiempos modernos (Charlie Chaplin, 1936)
Charles Chaplin y los personajes que inventa en la pantalla encarnan la humanidad en su forma más simple y elocuente. Ver Tiempos modernos 81 años después de su rodaje ofrece una maravilla tan vívida y pura como en los años treinta. La idea de burlarse de la producción en masa y de la esclavización del hombre por la tecnología, con Chaplin trabajando duro apretando tornillos en una cinta transportadora, se siente como una fábula tan intemporal como los más grandes clásicos de la literatura infantil. El espíritu del virtuosismo hecho hombre, Chaplin inventa incluso un nuevo lenguaje que canta en la famosa escena del camarero cantor. El uso que hace de los sonidos, los ruidos, la música y las voces, en la que es su última película muda, realza su arte de la pantomima y contribuye a la delirante hilaridad que siente el público. ¿Quién necesita diálogos cómicos cuando se tiene a Charlie Chaplin? -Agnès Poirier, Marianne, Francia (Crédito: Criterion)

11. El gran Lebowski (Joel y Ethan Coen, 1998)
No se trata de la enrevesada trama del secuestro de Ray Chandler-on-Adderall, y ni siquiera se trata de los bolos, los rusos blancos o la alfombra que une la habitación. En el fondo, la comedia más querida de los hermanos Coen trata de la propia sociedad estadounidense, una que se encuentra luchando tres décadas después para reconciliar las contradicciones de los años 60: la guerra frente a la paz, el odio frente al amor, los triunfadores que comprueban la agresividad frente a los beatniks que la toman con calma para todos nosotros. No es que olvidemos las inmortales interpretaciones cómicas (Jeff Bridges y John Goodman, obviamente, pero también Steve Buscemi, John Turturro, Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman…) y su guion afinado con una densidad de gags de osmio con una vibración adicta al THC que ha hecho de la película un apreciado refugio para innumerables Millennials y Gen Xers sobreestimulados. No es de extrañar que El gran Lebowski dejara perplejos a los críticos y al público cuando se estrenó en 1998: esperaban Fargo II y, en su lugar, obtuvieron algo más extraño y lanoso, pero mucho más rejugable. Su creciente reputación, impulsada por las reproducciones en DVD y en streaming, sugiere que «The Dude» se mantendrá durante muchos años. – Mike Hogan, Vanity Fair, Estados Unidos (Crédito: Working Title Films)

10. El maquinista de la general (Clyde Bruckman y Buster Keaton, 1926)
El General es la más conocida de las comedias de Buster Keaton, producida durante su período de madurez en la década de 1920, cuando alcanzó la cima de su popularidad. Aunque otras películas de Keaton pueden tener mejores acrobacias y más risas, El general es la más perfectamente realizada de sus películas, combinando aventura y comedia de la manera más naturalista. Esta película de 1926 rezuma un sentido taoísta de la estética en el sentido de que sus toques cómicos fluyen del azar y la coincidencia, con el propio Keaton como protagonista cuyos intentos de intervenir en los acontecimientos -la película está ambientada en la Guerra de Secesión estadounidense- se ven frustrados y ayudados a partes iguales por un poder que escapa a su control. La naturaleza, el azar o el destino son tan protagonistas como el propio Keaton en la comedia-aventura que se desarrolla. Su sincronización es, por supuesto, impecable, pero la revelación de la película reside en su combinación de energías creativas con las circunstancias de la naturaleza, haciendo que todo el espectáculo parezca una demostración taoísta del principio de no acción: dejar que las cosas sucedan y se resuelvan por sí mismas. Hay mucha hilaridad y desconcierto en la propia naturaleza, parece decir Keaton, pero su propio genio creativo es sin duda la fuerza motriz del éxito de El general como su mejor comedia. – Stephen Teo, Universidad Tecnológica de Nanyang, Singapur (Crédito: Kino)

9. This Is Spinal Tap (Rob Reiner, 1984)
Tom Waits y The Edge de U2 son algunas de las luminarias del rock que han confesado que el realismo de This Is Spinal Tap les hizo llorar. Ciertamente, el muy citable falso documental de Rob Reiner -reducido a partir de más de 100 horas de intercambios improvisados entre Christopher Guest, Michael McKean, Harry Shearer y un notable grupo de apoyo- refleja perfectamente la evolución de muchos actos musicales contemporáneos. Los rockeros epónimos pasan del pop monocromático de los 60 al hippismo chillón, al exceso de heavy metal Stonehenged y, en su etapa de supernova, a la fusión de jazz, creando por el camino un léxico irresistible, no más negro, hasta el 11, que huele a guante. Se imparten importantes lecciones sobre el sexismo, los privilegios y el calzado, mientras el bromance central entre el cantante David St Hubbins y el guitarrista Nigel Tufnel implosiona y luego se reaviva. No tiene rival en cuanto a conocimientos forenses sobre el vómito y la combustión espontánea. -Tara Brady, The Irish Times, Irlanda (Crédito: Alamy)

8. Playtime (Jacques Tati, 1967)
La última obra maestra de Jacques Tati es un clásico atemporal que no deja de divertirnos incluso hoy, medio siglo después de su estreno en 1967. Monsieur Hulot, el alter ego de Tati, visto anteriormente en «Las vacaciones de Monsieur Hulot» (1953) y «Mon Oncle» (1958), regresa como un antihéroe que guía al público en un recorrido por un París moderno e impersonal decorado con arquitectura estéril. Rodada en 70 mm en un elaborado decorado construido en las afueras de París, la aventura serendípica de Monsieur Hulot no trata de vender una trama o una historia (los diálogos son inaudibles la mayor parte del tiempo), sino una observación distante de las peculiaridades de la modernidad ante las que sólo podemos sonreír y fruncir el ceño. Caprichosa, mágica e hipnotizante, «Playtime» es el tipo de comedia que puede resistir la prueba del tiempo y viajar a través de las fronteras culturales. – Vivienne Chow, independiente, Hong Kong (Crédito: Criterion)

7. ¿Y dónde está el piloto? o ¡Aterriza como puedas!, en España (Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker, 1980)
Hay pocas comedias más profundamente grabadas en nuestro léxico nacional que ¡Airplane! Para muchos de mi generación -ya saben, los menores de 51 años- la película cambió nuestra percepción de lo que es divertido. Validó nuestra estupidez sin sentido. En su crítica de 1980, Roger Ebert, al tiempo que daba a ¡Airplane! una sólida recomendación de 3 estrellas, escribió «este tipo de humor se fue con Milton Berle, Jerry Lewis y los chistes de tocadores». No puedo decir esto a menudo, pero Roger Ebert estaba equivocado. Esto no era un humor de época. Se trataba de un humor transformador: una película en la que todos los personajes son heterosexuales. Siempre he pensado que había una línea de continuidad entre Airplane! y David Letterman, que hizo más por definir lo que es divertido para mi generación que cualquier otro desde el momento en que llegó a la televisión nocturna en Estados Unidos 18 meses después de que Airplane! llegara a los cines. Y resulta que Letterman hizo una audición para el papel de Ted Striker, el papel interpretado por Robert Hays (la audición de Letterman se puede ver en línea). Ben Mankiewicz, Turner Classic Movies, US (Crédito: Paramount Pictures)

6. La vida de Brian (Terry Jones, 1979)
Ser confundido con otra persona puede ser algo molesto. Para el simplón Brian Cohen, significa ser condenado a morir en una cruz. La película más célebre del grupo de humoristas Monty Python, La vida de Brian, cuenta la historia de un hombre nacido el mismo día que Jesús (y a pocos pasos de su establo) que, a regañadientes, se mete en el papel de su célebre vecino. Esta brillante premisa permitió a los Python satirizar aspectos de la religión organizada sin hacerlo específicamente contra la mitología cristiana. En su estado zombi, los discípulos de Brian sobreinterpretan sus gestos más triviales mientras su controladora madre relativiza las cosas: «No es el Mesías, sólo es un niño travieso». Las acusaciones de blasfemia quedaron eclipsadas por el éxito arrollador de la película, y con razón. La escena final, en la que Brian y otra docena de crucificados estallan con una melodía optimista, «Always Look on the Bright Side of Life», trasciende la farsa religiosa: es una pepita del humor surrealista que convirtió en leyenda a la compañía británica. – Fernanda Solórzano, Revista Letras Libres, México (Crédito: Alamy)

5. Héroes de ocasión o Sopa de Ganso, en España (Leo McCarey, 1933)
Hay películas de los Hermanos Marx, y luego está Sopa de Ganso, sin duda la película de los Hermanos Marx, la que mejor exhibe las habilidades musicales y de slapstick de los Marx, en parte debido a la dirección del maestro de la comedia Leo McCarey. McCarey extrae algunos de los mejores trabajos de los cuatro hermanos, encabezados por Groucho, cuyo brillante bombardeo de insultos está en su punto álgido como Rufus T Firefly, el recién nombrado y sumamente ineficaz líder de Freedonia. La guerra amenaza con estallar, y finalmente lo hace, ya que Firefly compite por el afecto de una mujer rica con el presidente de una nación vecina… pero la trama es lo de menos; lo que cuenta es el rápido montaje de sketches disparatados, y aquí no hay ni un solo paso en falso. Siempre citable y aún relevante, con su crítica al gobierno y a la guerra antes del código, la película cura -o al menos proporciona una hora de alivio- de la tristeza causada por el igualmente risible, aunque nada divertido, estado de los asuntos políticos actuales. – Laura Kern, Film Comment, Estados Unidos (Crédito: Alamy)

4. El día de la marmota o Hechizo del tiempo, Atrapado en el tiempo, en algunos países (Harold Ramis, 1993)
«Permítanme hacerles una pregunta: «¿Y si no hubiera un mañana?». El hombre del tiempo de la televisión de Bill Murray, Phil Connors, pregunta a dos borrachos mientras traquetea por una vía férrea en un coche prestado. «Es lo mismo de toda la vida: limpia tu habitación, ponte derecho… no conduzcas por la vía férrea». Despertando una y otra vez con Connors, que está condenado a vivir el mismo día cada 24 horas, el Día de la Marmota de Harold Ramis logra esa rara mezcla perfecta de lo hilarante y lo profundo. La comedia romántica de 1993 se ha convertido en la abreviatura de un tipo de experiencia vital, aclamada por los líderes religiosos como una de las películas más espirituales de todos los tiempos y alabada por los académicos por sus fundamentos filosóficos (arrojando luz sobre el concepto de recurrencia eterna de Nietzsche y actualizando el antiguo mito griego de Sísifo). Sin embargo, la historia de la redención y la reencarnación es tan buena para el humor como para las lecciones de vida. Aprovechando las contorsiones cómicas de «Big» y «Regreso al futuro», la película también genera la conmovedora bonhomía de ser testigo de la evolución de un personaje un día repetido a la vez. Murray evita caer en el sentimentalismo, retomando su papel de Scrooged como un cínico duro y hastiado que aprende a ser compasivo sin perder su ventaja. Y también es un reloj liberador: como grita Connors cuando se enfrenta a un tren que se aproxima, «¡Ya no voy a vivir según sus reglas!». – Fiona Macdonald, BBC Culture, Reino Unido (Crédito: Alamy)

3. Annie Hall o Dos extraños amantes, en algunos países (Woody Allen, 1977)
¿Empezamos con las líneas? «No te preocupes, podemos caminar hasta la acera desde aquí». «No quiero mudarme a una ciudad donde la única ventaja cultural es poder girar a la derecha con el semáforo en rojo». «La-di-da, la-li-da, la la.» O podríamos pasar directamente a las piezas de la serie: el trozo de langosta. La escena del balcón subtitulada. Marshall McLuhan en el cine. La fiesta más LA de todos los tiempos: «He olvidado mi mantra». Annie Hall, de Woody Allen, es un clásico por muchas razones, pero la principal es que esos montajes, chistes y viñetas intemporales se basan en la verdad, ya sea en la forma de la relación real de Allen con la estrella y musa de la película, Diane Keaton, o en un sentimiento universal de pérdida y arrepentimiento. No todos los chistes caen bien: ¿quién puede escuchar el chiste de Tony Roberts sobre tener sexo con gemelos de 16 años sin hacer una mueca de dolor? Pero independientemente de la familiaridad de los espectadores con el Upper East Side o los rincones más oscuros de la psique del cineasta, pueden identificarse con los temas de la película: el anhelo, la duda y el Otro desconocido. ¿Amaremos siempre Annie Hall? No, la amaremos, la amaremos y la amaremos. Con dos «f». – Ann Hornaday, The Washington Post, Estados Unidos (Crédito: MGM)

2. Dr. Insólito o Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba,¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú, en España (Stanley Kubrick, 1964)
¿Qué fue primero, el Dr. Strangelove o el fin de la civilización? La brillantez prismática de la demencial sátira de Stanley Kubrick es tal que las sucesivas generaciones discutirían con vehemencia sobre cuál de ellas siente más su relevancia. Pero entonces, Strangelove contiene multitudes, y desde el giro tripartito de Peter Sellers como el presidente de voluntad débil, el oficial británico mortificado e ineficaz y el nazi epónimo, que se destruye a sí mismo, hasta el ultranacionalista delirante de Sterling Hayden, pasando por el general papanatas de George C Scott, Kubrick nunca subestimó la codicia y la estupidez de quienes tienen el poder de acabar con la humanidad. Ese cinismo mordazmente hilarante aún no ha demostrado ser infundado, y quizá sea el bombardero de Slim Pickens, que monta la bomba como un bronco, el análogo más exacto de nuestro peor escenario actual: nunca ha parecido tan probable que el mundo se acabe ni con una explosión ni con un gemido, sino con un yee-haw imbécil, priápico y exultante. – Jessica Kiang, freelance, Alemania (Crédito: Columbia Pictures)

1. Una Eva y dos Adanes, Con faldas y a lo loco, Algunos prefieren quemarse, en algunos países (Billy Wilder, 1959)
La última línea es la que todo el mundo recuerda primero: «Bueno, nadie es perfecto». Un golpe de efecto que, de alguna manera, se pronuncia con una despreocupación inexpresiva y una ironía descarada, alineando los instintos más dulcemente juguetones y los más imprudentemente subversivos de la inigualable comedia de travestismo de 1959 de Billy Wilder. Mientras sus protagonistas se tambalean torpemente vestidos de mujer, la película que los rodea navega por la cuerda floja con tacones de aguja. A medida que salta de la película de serie B de los bajos fondos a la farsa de error de identidad, al dulce romance de mala suerte y a la película de amigos, «Some Like It Hot» pasa por un gran número de trampas arriesgadas en las que su alegre descaro podría convertirse en una obscenidad sexista. El hecho de evitarlos se debe a la inagotable pasión de las estrellas y a la ingeniosa escritura de Wilder e IAL Diamond, pero también a la inesperada ternura con la que el director trata a sus personajes incluso en sus momentos más absurdos. Testigo de ello es el hilarante delirio de la resaca amorosa de Jack Lemmon, que revela el corazón de un estafador nato y de un romántico extrañamente desconcertado. Nadie es perfecto, pero eso no quiere decir que una película no pueda serlo. – Guy Lodge, Variety, Reino Unido (Crédito: United Artists)

He aquí la lista completa con las cien seleccionadas

 

100. (empate)El Rey de la Comedia (Martin Scorsese, 1982)
100. El terror de las chicas (Jerry Lewis, 1961)
99. Un Loco Anda Suelto (Carl Reiner, 1979)
98. Resacón en Las Vegas – The Hangover (Todd Phillips, 2009)
97. Haciendo de las suyas – The Music Box (James Parrott, 1932)
96. Nacida Ayer (George Cukor, 1950)
95. Los cazafantasmas – Ghostbusters (Ivan Reitman, 1984)
94. Academia Rushmore (Wes Anderson, 1998)
3. South Park: Más grande, más largo y sin cortes – South Park: Bigger, Longer & Uncut (Trey Parker, 1999)
92. El ángel exterminador (Luis Buñuel, 1962)
91. ¿Qué me Pasa, Doctor? (Peter Bogdanovich, 1972)
90. Corazón verde – A New Leaf (Elaine May, 1971)
89. Las margaritas – Daisies (Vera Chytilová, 1966)
88. Zoolander (Ben Stiller, 2001)
87. Los caballeros las prefieren rubias (Howard Hawks, 1953)
86. Ocho sentencias de muerte (Robert Hamer, 1949)
85. Amarcord (Federico Fellini, 1973)
84. Waiting for Guffman (Christopher Guest, 1996)
83. El hombre mosca (Fred C Newmeyer y Sam Taylor, 1923)
82. Top Secret! (Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker, 1984)
81. Algo pasa con Mary (Bobby and Peter Farrelly, 1998)
80. Trabajo basura – Office Space (Mike Judge, 1999)
79. La cena de los idiotas (Francis Veber, 1998)
78. La princesa prometida (Rob Reiner, 1987)
77. Divorcio a la Italiana (Pietro Germi, 1961)
76. Una mujer para dos (Ernst Lubitsch, 1933)
75. Un Marido Rico (Preston Sturges, 1942)
74. Entre Pillos Anda el Juego (John Landis, 1983)
73. El profesor chiflado (Jerry Lewis, 1963)
72. Agárralo Como Puedas – The Naked Gun: From the Files of Police Squad! (David Zucker, 1988)
71. Los Tenenbaums. Una familia de genios – The Royal Tenenbaums (Wes Anderson, 2001)
70. In the Loop (Armando Iannucci, 2009)
69. La última noche de Boris Grushenko (Woody Allen, 1975)
68. Ninotchka (Ernst Lubitsch, 1939)
67. Compañeros de juerga Sons of the Desert (William A Seiter, 1933)
66. Arma fatal – Hot Fuzz (Edgar Wright, 2007)
65. Caddyshack (Harold Ramis, 1980)
64. Hermanos por pelotas – Step Brothers (Adam McKay, 2008)
63. Arsénico por Compasión (Frank Capra, 1944)
62. Lo que hacemos en las sombras – What We Do in the Shadows (Jemaine Clement and Taika Waititi, 2014)
61. Team America: La policía del mundo – Team America: World Police (Trey Parker, 2004)
60. Zombies Party (Una noche… de muerte) – Shaun of the Dead (Edgar Wright, 2004)
59. Toni Erdmann (Maren Ade, 2016)
58. Zelig (Woody Allen, 1983)
57. Chicas malas – Mean Girls (Mark Waters, 2004)
56. Al Filo de la Noticia (James L Brooks, 1987)
55. Very Important Perros – Best in Show (Christopher Guest, 2000)
54. Harold y Maude (Hal Ashby, 1971)
53. Granujas a Todo Ritmo (John Landis, 1980)
52. Al Servicio de las Damas (Gregory La Cava, 1936)
51. Siete Ocasiones (Buster Keaton, 1925)
50. Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios (Pedro Almodóvar, 1988)
49. El Discreto Encanto de la Burguesía (Luis Buñuel, 1972)
48. Un ladrón en la alcoba (Ernst Lubitsch, 1932)
47. Desmadre a la Americana (John Landis, 1978)
46. Tiempos Violentos (Quentin Tarantino, 1994)
45. Los desconocidos de siempre – Big Deal on Madonna Street (Mario Monicelli, 1958)
44. La boda de mi mejor amiga (Paul Feig, 2011)
43. M*A*S*H (Robert Altman, 1970)
42. La pícara puritana (Leo McCarey, 1937)
41. Borat: El Segundo mejor reportero del glorioso país Kazajistán viaja a América (Larry Charles, 2006)
40. Los productores (Mel Brooks, 1967)
39. Una noche en la opera (Sam Wood y Edmund Goulding, 1935)
38. Historias de Filadelfia (George Cukor, 1940)
37. Los viajes de Sullivan (Preston Sturges, 1941)
36. Un Pez Llamado Wanda (Charles Crichton y John Cleese, 1988)
35. Cantando bajo la Lluvia (Stanley Donen y Gene Kelly, 1952)
34. Ni Idea (Amy Heckerling, 1995)
33. El reportero: la leyenda de Ron Burgundy (Adam McKay, 2004)
32. Arizona Baby (Joel y Ethan Coen, 1987)
31. Tootsie (Sydney Pollack, 1982)
30. Las vacaciones del señor Hulot (Jacques Tati, 1953)
29. Cuando Harry encontró a Sally … (Rob Reiner, 1989)
28. Sucedió una noche (Frank Capra, 1934)
27. El apartamento (Billy Wilder, 1960)
26. Mi tío (Jacques Tati, 1958)
25. La quimera del oro (Charlie Chaplin, 1925)
24. Withnail y Yo (Bruce Robinson, 1987)
23. El guateque (Blake Edwards, 1968)
22. El jovencito Frankenstein (Mel Brooks, 1974)
21. Luces de la ciudad (Charlie Chaplin, 1931)
20. Sillas de montar calientes (Mel Brooks, 1974)
19. Las tres noches de Eva (Preston Sturges, 1941)
18. El Moderno Sherlock Holmes (Buster Keaton, 1924)
17. La fiera de mi niña (Howard Hawks, 1938)
16. El Grán Dictador (Charlie Chaplin, 1940)
15. Los caballeros de la mesa cuadrada (Terry Gilliam and Terry Jones, 1975)
14. Luna nueva (Howard Hawks, 1940)
13. Ser O No Ser (Ernst Lubitsch, 1942)
12. Tiempos Modernos (Charlie Chaplin, 1936)
11. El Grán Lebowski (Joel and Ethan Coen, 1998)
10. El maquinista de la general (Clyde Bruckman y Buster Keaton, 1926)
9. Esto es Spinal Tap (Rob Reiner, 1984)
8. Playtime (Jacques Tati, 1967)
7. Aterriza como puedas (Jim Abrahams, David Zucker and Jerry Zucker, 1980)
6. La vida de Brian (Terry Jones, 1979)
5. Sopa de ganso (Leo McCarey, 1933)
4. Atrapado en el tiempo (Harold Ramis, 1993)
3. Dos Extraños Amantes (Annie Hall) (Woody Allen, 1977)
2. ¿Telefono rojo? Volamos hacia Moscu (Stanley Kubrick, 1964)
1. Con faldas y a lo loco (Billy Wilder, 1959)